La historia oculta tras el cartel
Un cartel es, en muchas ocasiones, lo primero que ves de una película, y tiene que conseguir captar tu atención en un tiempo muy breve. Los carteles te dan mucha información aunque, a simple vista, no te des cuenta: te habla de los personajes principales y crea una atmósfera visual relacionada con el largometraje.
Depende del género principal de la película hay similitudes en las composiciones y si son películas de la misma saga aún hay más correlación, no solo mediante los personajes sino también con el uso de los colores.
Cine de aventuras
Imágenes dinámicas donde podemos ver acciones intensas, ya sea porque se representa una acción en movimiento o porque suscita una sensación de peligro.
Protagonistas en primer plano o con gran importancia en la composición
Escenarios exóticos como ruinas antiguas o selvas densas.
Colores vibrantes y con mucho contraste.
Complementos visuales relacionados con el género de aventuras como mapas o brújulas que nos empiezan a presentar la trama de la película.
Este cartel de Indiana Jones y el Templo Maldito (1984) tiene gran parte de las características mencionadas anteriormente.
El protagonista tiene gran peso en la imagen, ángulo contrapicado que lo engrandece, escenario y colores vibrantes, va armado…
Si miramos con más detenimiento la imagen podemos ver una serie de formas geométricas que potencian diferentes sensaciones.
Los triángulos dan sensación de estabilidad y guían la mirada del espectador. En este cartel encontramos dos: uno en las piernas del propio personaje (estabilidad) y otro que crea la luz (guía de mirada).
Los círculos funcionan de marco natural. El óvalo es un derivado del círculo y en esta imagen encontramos uno en el arco del templo.
Por último, las líneas verticales y horizontales combinadas aportan una sensación de estructura compacta y estable. También se ha creado una pequeña diagonal en el suelo que invita a entrar al templo.
b. Ciencia ficción
- Ambientación futurista creada mediante fondos con ciudades desarrolladas tecnológicamente. Las luces neón son un recurso bastante utilizado.
- Tecnología y maquinaria avanzada con mucha presencia en el cartel.
- Elementos cósmicos o espaciales que enfatizan la exploración espacial y grandeza del universo. La investigación del cosmos es algo que se relaciona de una manera muy directa con los avances tecnológicos.
- Colores fríos y metálicos como el azul o el gris, que transmiten una sensación de tecnología, contrastados con colores brillantes para destacar elementos importantes.
- Efectos especiales como hologramas, rayos láser o luces muy brillantes.
Regreso al Futuro (1985) tiene un cartel que también recoge la mayoría de características recogidas en la lista anterior. Tiene colores llamativos, casi neones, con una luz blanca muy brillante que sale del coche en el que el protagonista (situado ligeramente a la derecha de la imagen) está entrando.
Volvemos a ver un óvalo, pero esta vez no está entero, la puerta del coche hace de marco para el protagonista.
Por último, encontramos líneas diagonales (que dan dinamismo), en los rayos blancos y en el título.
El título es más grande en la parte izquierda y más pequeño en la derecha, dando sensación de movimiento hacia la derecha. Este movimiento se ve “cortado” por la flecha incluida en el propio rótulo, que está en dirección contraria.
Este “caos” de líneas ya nos está dando a entender que la película tranquila no va a ser.
. Thriller
Tonos oscuros y sombríos como el negro, el gris, el azul marino o los tonos apagados para crear tensión y misterio. Las sombras y el contraste potencian esta sensación y añaden suspense y un sentimiento de peligro.
Protagonistas en situación de tensión, en alerta o con mucha determinación. En planos muy cercanos a menudo podemos ver estrés, miedo o ansiedad.
Escenarios inquietantes como lugares aislados, calles oscuras o casas abandonadas. Estas localizaciones crean sensación de claustrofobia.
Elementos como armas, cuchillos, teléfonos, relojes o cintas de vídeo. Estos elementos son muy comunes como amenazas o como manera de encontrar pistas.
Composiciones con primeros planos de los personajes para crear una relación rápida con el espectador. Los ángulos no tan comunes o las perspectivas distorsionadas añaden una sensación de desequilibrio y, por ende, tensión.
Juego de luces y sombras para crear una atmósfera dramática y enfatizar el suspense y misterio. Sombras profundas, luces de fondo o laterales son tres tipos de iluminación muy comunes.
Texturas como granulado, distorsión o desenfoque para crear sensación de inestabilidad. También puede simular lluvia, neblina o vidrios rotos para potenciar la inquietud.
Enemy (2013) tiene un cartel bastante sencillo pero tiene muchos detalles comunes en los carteles del mismo género.
Tiene bastante textura. Si nos fijamos, la chaqueta conserva la textura y al estar tan cerca hace que se aprecie más, pero no es solo eso, la imagen en general tiene un granulado.
La ciudad que se ve en la parte superior de su cabeza tampoco está totalmente nítida, se puede apreciar una pequeña neblina.
Los colores que se han usado son el negro y el marrón, ambos son colores apagados.
La ausencia de emoción en su cara provoca un poco de incomodidad en el espectador.
La letra N del título es diferente al resto, y la araña está situada debajo de la M como si la simulara.
En cuanto a líneas, la mirada del protagonista crea una diagonal hacia abajo, y la postura crea otra hacia arriba. Estas diagonales crean un poco de movimiento que choca con las líneas de la ciudad tan verticales (edificios) y horizontales (base).
El tiburón está bastante mimetizado con el color azul del mar, todo excepto la boca, que es de un negro profundo.
Hay dos líneas rectas que se cruzan. La línea vertical que hace el tiburón hacia la chica y la horizontal del mar.
La primera, hace que conectes de forma ascendente el tiburón con la chica y des por hecho que la va a atrapar.
La segunda, en cambio, es horizontal y transmite la paz que, normalmente, da el mar.
Los cambios en la luz son muy sutiles, pero si miramos atentamente podemos encontrar un óvalo que enmarca al tiburón y la chica.
Un triángulo se ve claramente en el tiburón, en este caso además de transmitir estabilidad y fuerza, potencia la dirección en la que nada el animal: hacia arriba.
d. Acción
- Escenas con explosiones, persecuciones, tiroteos o cualquier momento de acción intensa. Estas imágenes destacan la intensidad y emoción característica de este género cinematográfico.
- Protagonistas con poses heroicas y con gran peso en la imagen. Se utilizan poses dinámicas, poderosas y utilizando armas para mostrar la determinación y fuerza típicas de los protagonistas.
- Colores vibrantes y contrastes fuertes para transmitir energía y urgencia a la vez que se resaltan los propios personajes.
- Localizaciones que han sufrido un alto impacto en una guerra como ciudades en ruinas, campos de batalla o entornos exóticos. Este tipo de escenarios transmiten peligro y aventura a la vez que generan expectativas.
- Efectos especiales como fuego, chispas, humo o rayos para crear más dinamismo y, a la vez, se refuerza la intensidad de la acción.
- Ángulos dinámicos con perspectivas que sugieren movimiento y energía.
- En ocasiones se utilizan primeros planos de héroes combinados con escenas de acción.
- Se incluyen personajes secundarios para representar la camaradería, las alianzas o los equipos de élite. También se pueden incluir villanos para mostrar los conflictos.
- Armas y vehículos con tecnología avanzada que remarcan el tono bélico y los avances tecnológicos.
- Rostros con determinación, agresividad o concentración que le dan el tono serio a la atmósfera del cartel.
Este cartel de Vengadores: Infinity War (2018) es un gran ejemplo para los carteles de acción ya que tiene prácticamente todas las características.
Protagonistas en poses heroicas demostrando determinación, colores vibrantes, entorno exótico (el universo), efectos especiales y visuales, personajes principales y secundarios, armas, rostros con determinación y concentración…
Si nos centramos en la composición hay muchas cosas que destacar.
- Hay tres triángulos muy destacado
- Un círculo que marca a los cinco personajes de mayor tamaño
- Multitud de líneas diagonales que crean dinamismo.
Todos los personajes están juntos en la misma zona y la parte de abajo está más libre. Este “caos” nos avanza lo que se avecina en la película.
Vengadores: Endgame (2019) tiene un cartel que no está tan recargado como su predecesor. Aun siendo más simple sigue manteniendo las características de este género.
Compositivamente hablando encontramos lo siguiente:
- Un triángulo central que transmite seguridad
- Un círculo central que recoge los personajes de más tamaño.
- Líneas diagonales hacía todas las direcciones en las miradas de los personajes.
- Líneas diagonales que potencian la dirección de algunas armas y que dan dinamismo al cartel.
Fotografías que capturan emociones intensas como la tristeza, la alegría, el amor, la angustia o el conflicto. La mejor manera para representar estas sensaciones son los primeros planos de los personajes.
Colores suaves y neutros como azules, terrosos, pasteles o grises que simbolizan la introspección y el duelo interno. También podemos ver colores más oscuros que reflejan los temas más serios o intensos como los conflictos.
Composición sencilla y elegante con un diseño minimalista que hace que centres tu atención en las emociones. También se representan la estabilidad o el desorden.
Escenarios realistas con ambientes cotidianos como una casa, calles transitadas o paisajes naturales. Estas localizaciones ayudan a situar la historia en un contexto reconocible y acerca la historia al espectador.
Elementos simbólicos con significado en la trama como cartas, fotos, anillos… Estos objetos proporcionan pistas sobre la historia.
Iluminación suave y natural que crea una atmósfera cercana, potencia el tono emocional y profundiza el drama.
Se destacan las relaciones interpersonales con miradas, abrazos o gestos significativos para subrayar los conflictos o las conexiones emocionales humanas.
Expresiones faciales y lenguaje personal que transmiten emociones y te presentan el tono que va a presentar la película. Las posturas incluso te pueden dar pistas del camino que va a seguir la historia.
Estos dos carteles, pertenecientes a Carol (2015) son una gran representación de las películas de drama.
Ambos tienen fotografías que capturan emociones, el primer cartel utilizando primeros planos y el segundo cartel dándoles toda la importancia a ellas al desenfocar a la gente que pasa.
La paleta de colores es suave y neutra, utilizando colores terrosos y algún destello del color rojo o el azul.
Composición sencilla y elegante utilizando un escenario cotidiano, sobre todo en el segundo.
Iluminación suave y natural.
Si nos centramos en la composición, a pesar de ser muy sencilla, nos deja varias pistas de cómo va a ser la historia que estamos a punto de conocer.
En el primer cartel Carol está mirando hacia dentro del cartel, como si mirase a Therese que tiene una expresión neutra y seria, casi como si no le importase si la miran o no.
Se ha utilizado un cuarto de la cara donde vemos parte de la boca y un ojo, ambas partes son con las que más transmitimos las emociones.
En el segundo cartel el color marrón general se ve interrumpido por tres elementos rojos:
el lazo de la muñeca (arriba derecha)
el título (centro)
el pañuelo de Carol (abajo centro)
Los tres elementos te conducen la mirada hasta leer la frase “Change your life forever”.
Hay una diferencia entre la gente que aparece en la mitad superior (hombre con esmoquin y bien peinado) y en la mitad inferior (gente sin esmoquin, con sombreros…).
Este cartel refleja visualmente la frase “El mundo se detiene cuando nos miramos” ya que vemos cómo la gente sigue moviéndose pero para ellas todo se ha parado y solo importa que se hayan visto a través de todas las personas que hay entre ellas.
f. El recurso de la sombra en los carteles.
Que el texto esté en la parte superior y con un tamaño más grande, en color (azul, que representa confianza y seguridad) y sobre un fondo blanco, hace que capte la atención del espectador de forma inmediata.
- Primeros planos o planos muy cerrados. Las expresiones de miedo y determinación de Frodo, la desesperación de Aragorn y la sabiduría de Gandalf no destacarían como lo hacen si se utilizaran planos más abiertos (como un plano medio largo) y la conexión con el espectador no sería tan cercana.
- Grandes planos generales o planos muy abiertos. El espectador sabe dónde está en todo momento y, a la vez, también sabe lo vasto que es el paisaje donde se desarrollan los conflictos más importantes.
- Los ángulos picados crean un sentimiento de vulnerabilidad en los personajes a la vez que representan visualmente el gran desafío al que se enfrentan en ese momento. Un ejemplo de estos ángulos es la toma de Frodo y Sam en Mordor.
- Los ángulos contrapicados, al contrario que los anteriores, engrandecen al personaje haciendo que parezca más poderoso. Un uso brillante de esto es la escena de Aragorn dirigiendo a sus tropas.
- Los ángulos holandeses, son el recurso más utilizado en los momentos tensos de la batalla o cuando el personaje que vemos en pantalla está desorientado y en peligro. Es la angulación que mejor transmite el caos y la tensión acumulada.
- La iluminación natural se utiliza, sobre todo, en los planos naturales de las localizaciones. La luz solar crea un juego de luces y sombras que crean una atmósfera muy realista y envolvente.
- El contraste de luces y sombras más potente se utiliza para destacar la batalla entre el bien y el mal. Las escenas en las Minas Tirith o los lugares más seguros tienen un aura brillante pero en las secuencias donde vemos Mordor o alguna batalla es todo sombrío porque es una atmósfera creada a base de sombras y tonos oscuros.
- La iluminación dramática en momentos claves es indiscutible. La parte donde el Anillo único está en juego vemos luces muy duras y direccionales que resaltan la tensión y el peligro que se vive durante toda la secuencia.
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